La danza, espressione universale dell’animo umano, ha attraversato secoli e culture, evolvendosi in varie forme e stili. Il balletto, in particolare, rappresenta una delle forme d’arte più sofisticate e affascinanti del panorama mondiale. Quando parliamo dei migliori balletti portati in scena, stiamo evocando storie di amore, tradimento, passione e magia. In questo articolo, esploreremo alcune delle opere più celebri che hanno incantato il pubblico e segnato la storia della danza.
Storia del Balletto
Il balletto, un linguaggio universale di grazia, emozione e narrazione, ha attraversato secoli di evoluzione, riflettendo i cambiamenti socio-culturali delle epoche in cui si è sviluppato. Da umili origini nelle corti rinascimentali dell’Europa come semplice intrattenimento nobiliare, al suo fiorire come potente espressione artistica nei teatri dell’epoca romantica e moderna, la storia del balletto è un viaggio avvincente attraverso arte, storia e passione umana. Esplorare questa storia significa non solo seguire l’evoluzione della danza, ma anche comprenderne l’interazione con la musica, la moda, la politica e le trasformazioni sociali. Immergetevi nella straordinaria cronaca del balletto e scoprite come è diventato una delle più affascinanti e apprezzate forme d’arte del nostro tempo.
Dalle Corti Nobiliari del Rinascimento all’emergere dei Maestri di Danza
Il Rinascimento italiano, noto per il suo rinascimento culturale e artistico, ha segnato anche la nascita di una delle forme d’arte più amate e celebrate: il balletto. Nel contesto di un’Italia del 1400, animata da un vivace scambio commerciale e una rinnovata passione per la cultura, le corti nobiliari divennero epicentri di magnificenza artistica.
Contrariamente all’era medievale, dove il potere e la statura di una corte erano determinati principalmente dalla forza militare e dai beni terrieri, il Rinascimento ha visto la classe dominante cercare nuove vie per esprimere la propria grandezza. Una di queste espressioni si materializzava attraverso le feste di corte, che divennero sempre più elaborate e opulente. Questi eventi spesso vedevano rappresentazioni danzate, ma, interessantemente, non erano eseguite da danzatori professionisti. Al contrario, erano i nobili stessi che si esibivano, unendo piacere e obbligo sociale.
Proprio in questo contesto fecondo, emerge la figura del maestro e teorico di danza. Grazie agli archivi conservati, abbiamo testimonianze di nomi illustri come Domenico da Piacenza e i suoi discepoli, Antonio Cornazano e Guglielmo Ebreo da Pesaro (o Giovanni Ambrogio). Questi pionieri, attraverso i loro scritti e insegnamenti, gettarono le basi di quella che può essere considerata una delle prime “scuole” di balletto – la “scuola lombarda“. Questa scuola ha avuto il merito di codificare regole tecniche, estetica e l’etica del danzatore, come ben esprime Guglielmo Ebreo da Pesaro nel suo trattato “De pratica seu arte tripudii“.
«Il bel danzar che con virtù s’acquista per dar piacer all’anima gentile conforta il cuore e fal più signorile e porge con dolcezza allegra vista.»
(Guglielmo Ebreo da Pesaro, De pratica seu arte tripudii)
Gli scritti di quest’epoca suggeriscono un’alta complessità, suggerendo che erano principalmente destinati alla formazione dei futuri maestri di danza. Ciò sottolinea ulteriormente l’importanza e il prestigio che la danza aveva acquisito durante il Rinascimento.
Il Rinascimento non solo ha ridefinito le arti visive, ma ha anche gettato le fondamenta per la danza come la conosciamo oggi, trasformando il balletto da una semplice esibizione di cortesia a una forma d’arte raffinata e codificata.
Il Balletto attraverso i Secoli: Dalla Rinascenza Italiana alle Corti Europee
Il balletto, una delle espressioni artistiche più raffinate e celebrate al mondo, ha radici profonde che risalgono al periodo della Rinascenza. Le corti nobiliari italiane, sospinte da un rinnovato fervore per la cultura e le arti, divennero il palcoscenico ideale per la nascita e l’evoluzione della danza.
Dal ballo nobile alla danza teatrale
Il rinomato Domenico, nel suo trattato “De arte saltandi et choreas ducendi”, introdusse una distinzione tra la bassa danza, caratterizzata da movimenti lenti e dignitosi, e il ballo, noto per la sua energia e i salti dinamici. Questa distinzione fu ulteriormente enfatizzata da Cornazano, che sottolineò la natura elitaria del balletto, riservato ai circoli nobiliari.
A questo punto, la bassadanza, popolare dal XIII secolo, divenne un modello per tutte le altre forme di danza. Ma con l’ascesa di nuove forme, come il brando e la moresca, il balletto cominciò ad evolvere da un semplice passatempo nobiliare a una forma d’arte teatrale. Questo cambiamento fu segnato dalla fondazione delle prime “scuole di ballo nobile”, sostenute dall’ampia diffusione di trattati sulla danza e dalla crescente richiesta di istruzione formale.
Il balletto di corte: l’influenza francese
Con l’arrivo in Francia di Caterina de’ Medici, una devota patrona delle arti originaria di Firenze, il balletto fece la sua grande entrata nella scena francese. Il “Ballet Comique de la Reine”, curato dal talentuoso Belgioioso, è spesso considerato il primo vero balletto. Questo spettacolo, pur avendo una tecnica di danza limitata, brillava per i suoi costumi stravaganti e la scenografia imponente, diventando rapidamente un modello per altre corti europee.
Balletto in Italia e Oltre
Mentre la Francia vedeva un boom del balletto, l’Italia, in particolare la Corte dei Medici, rimaneva un centro di innovazione coreografica. Sotto la guida del coreografo Angelo Ricci, spettacoli che univano temi umanistici e balletti equestri, divennero popolari, segnando una fusione di stili e influenze.
Verso la metà del Seicento, anche Torino emergeva come un epicentro del balletto, grazie alle opere del conte Filippo d’Agliè di San Martino. Questi spettacoli riscossero successo non solo in Italia, ma anche in Francia, sottolineando l’espansione e l’influenza del balletto nel panorama europeo.
In sintesi, il balletto ha attraversato un viaggio incredibile, evolvendosi dalle corti rinascimentali italiane alle grandi sale teatrali di tutta Europa, riflettendo un’evoluzione continua di stile, tecnica e espressione.
Il Seicento: L’Era del Balletto Barocco tra Sfarzo e Innovazione
In piena era barocca, il teatro, così come le altre forme d’arte, vide una rivoluzione estetica. L’ornamento, la grandiosità e la magnificenza diventarono le parole d’ordine, e la scena del balletto non fece eccezione.
Architettura e Teatro: Gli Echi di Roma
Mentre architetti di fama come Bernini e Borromini plasmavano lo skyline di Roma con le loro opere maestose, il gusto per il teatro spettacolare cresceva. Firenze, da sempre culla dell’innovazione artistica, vide la sperimentazione delle prime scenografie mobili. Queste nuove tecniche sceniche, perfezionate nel tempo, privilegiarono l’ambientazione, relegando spesso la rappresentazione stessa in secondo piano. Ma il genio italiano non si limitò alla penisola: scenografi come Ferdinando Bibiena incantavano Vienna, mentre Giacomo Torelli e Gaspare Vigarani definivano lo stile teatrale di Parigi. Ludovico Burnacini, con le sue innovazioni sceniche per le opere di Monteverdi e costumi sontuosi, siglò l’inizio dell’epoca barocca nel teatro. Tuttavia, in Italia, la danza rimase in gran parte un intermezzo, soprattutto all’interno del melodramma, senza riuscire a guadagnarsi un ruolo autonomo.
La Francia e l’Influenza Italiana
Mentre l’Italia era al centro dell’innovazione teatrale, la Francia tendeva a un approccio più tradizionale, ancorata a una danza lenta e maestosa. Dopo la conquista di Milano da parte delle truppe di Francesco I nel 1515, molti maestri di danza italiani iniziarono a migrare verso il nord dell’Europa. Pompeo Diobono, una figura di spicco nella scena della danza italiana, fu tra quelli che risposero alla chiamata, trasferendosi alla corte di Enrico II in Francia, e successivamente servendo Carlo IX ed Enrico III. La sua presenza e quella di altri maestri italiani influenzarono profondamente l’evoluzione della danza francese.
Questo periodo del Seicento, dunque, non fu solo un’era di sfarzo e splendore, ma anche un momento cruciale di interscambio culturale e di sperimentazione nel mondo del balletto. La fusione di stili e influenze ha gettato le basi per l’evoluzione futura della danza teatrale in Europa.
Luigi XIV e la Metamorfosi del Balletto Francese
L’evoluzione del balletto attraverso i secoli ha avuto numerosi protagonisti e palcoscenici, ma uno dei momenti più decisivi nella sua storia si è svolto sotto l’ombra del trono francese. L’entusiasmo di un re per la danza avrebbe infatti segnato un’epoca e influenzato generazioni di ballerini.
Luigi XIV: Il Re Sole e la sua Passione per la Danza
Mentre l’Italia aveva dato i natali al balletto, fu Parigi, grazie al Ballet Comique de la Reine, a consolidarsi come il cuore pulsante di questa forma d’arte. Ben presto, il balletto si trasformò da una creazione italiana in un’arte distintamente francese.
Una figura centrale in questa metamorfosi fu Luigi XIV, noto come il “Re Sole”. Il suo amore per la danza non era solo una passione personale: Luigi XIV danzava personalmente nei balletti della corte fino a quando l’età non glielo permise più. Il suo contributo alla danza è immortalato nel passo chiamato “Entrechat Royal”, che prende il nome dal monarca.
Nel 1661, il re fondò l’Accademia Reale di Danza, creando la prima istituzione dedicata alla formazione professionale dei ballerini. L’influenza di Luigi XIV si diffuse rapidamente in tutta Europa, portando alla nascita di compagnie simili, tra cui spicca l’Accademia Imperiale del Balletto di San Pietroburgo, fondata nel 1738.
Il Palcoscenico si Trasforma
I ballerini francesi del XVII secolo rappresentavano un mix di tradizione e innovazione. Mentre danzavano mascherati, con pesanti parrucche e scarpe con tacco, due ballerine, Marie Camargo e Marie Sallé, rivoluzionarono la scena. Ridussero la lunghezza delle gonne, introdussero scarpe senza tacco e abbandonarono le maschere, segnando un cambiamento radicale nello stile e nell’estetica della danza.
Il “Ballet d’action”: Una Riforma Innovativa
La progressione del balletto non si fermò lì. Nella seconda metà del XVIII secolo, Jean-Georges Noverre e l’italiano Gasparo Angiolini concepirono una riforma trasformativa, con l’obiettivo di liberare il balletto da altre forme d’arte come il canto e la recitazione. Proponevano un approccio in cui il balletto avrebbe raccontato storie attraverso l’espressività della danza e la pantomima, dando vita al concetto di “ballet d’action”.
In conclusione, il Seicento segnò un periodo di profonda evoluzione per il balletto, in cui l’intervento di monaci, artisti e riformatori collaborò per portare la danza a nuove vette di espressione e raffinatezza.
Balletto Romantico: l’era Romantica del Balletto
Il Romanticismo, un movimento che abbracciava l’arte e la letteratura, permeò l’Europa emanando dai cuori culturali del Regno Unito e della Germania. Questa ondata artistica rappresentò una ribellione al rigido classicismo e un contrasto al manierismo del Settecento, ponendo al centro la profondità dell’animo umano. Questa era portò con sé una rinnovata fascinazione per il soprannaturale, l’esotico e il misterioso.
Parigi: Il Cuore Pulsante del Balletto Romantico
Il Teatro de l’Opéra di Parigi si consolidò come il fulcro della danza romantica, dando forma e direzione al mondo del balletto in tutta l’Europa. È in questa città luminosa che “La Sylphide”, coreografato da Filippo Taglioni e danzato dalla leggendaria Maria Taglioni nel 1832, segnò l’ascesa del balletto romantico. La narrazione, incentrata sull’amore tra un uomo e uno spirito e ambientata nelle brughiere scozzesi, incarnava l’essenza romantica. Questo balletto pioniere tracciò la strada per opere iconiche come “Giselle” nel 1841, che mise in luce l’arte della ballerina Carlotta Grisi, con un libretto di Théophile Gautier e le melodie di Adolphe Adam.
L’evoluzione dei costumi e delle tecniche di danza attirò il pubblico in masse. Le gonne si trasformarono, diventando più corte e leggere. Le scarpe da punta sottolineavano l’eterea natura della ballerina, e il tutù fece la sua prima comparsa grazie all’ingegno di Eugéne Lamy per “La Sylphide”.
Il Declino della Danza Maschile
Sebbene la danza maschile fosse stata un tempo dominante, la sua presenza cominciò a declinare durante questa era. La scena era dominata dalle ballerine romantiche, relegando gli uomini a ruoli di supporto. Spesso, le donne interpretavano ruoli maschili en travesti, come dimostrato dalla prima rappresentazione di “Coppélia” nel 1870.
Il Rinascimento Russo del Balletto
Mentre l’Opéra di Parigi cedeva la sua posizione dominante, l’arte del balletto trovava nuova linfa nella Russia del XIX secolo. Fu Marius Petipa, coreografo della corte russa, a respirare nuova vita nei balletti romantici. Le sue opere, che raccontavano storie fiabesche e esotiche come “Il lago dei cigni”, “La bella addormentata”, “Lo schiaccianoci” e “La Bayadère”, sono diventate colonne portanti del repertorio di balletto, apprezzate e performate ancora oggi.
L’era romantica ha lasciato un’impronta indelebile sulla storia del balletto, creando capolavori che continuano a incantare le generazioni contemporanee.
Il Fulgore del Balletto Russo
La genesi del balletto russo può essere tracciata alla fondazione dell’Accademia di Danza del Teatro Mariinskij di San Pietroburgo nel 1738, avvenuta sotto la direzione del maestro francese Jean-Baptiste Landé, durante l’epoca della zarina Anna di Russia. La grandiosità di Caterina la Grande si manifestò quando, nel 1762, organizzò una celebrazione per la sua incoronazione che coinvolse quasi 4.000 artisti in una danza sontuosa. La sovrana, con lungimiranza, invitò maestri di balletto d’élite da Italia e Francia per curare l’evento, investendo pesantemente nel balletto russo.
Didelot, formatosi in Francia ma di origine svedese, fu uno dei primi ad essere chiamato, insegnando a San Pietroburgo per diversi periodi tra il 1801 e il 1837. Fu seguito da luminari come Jules Perrot e Arthur Saint-Léon, ma fu Marius Petipa, originario della Francia, a lasciare l’impronta più indelebile, orchestrando capolavori come “La bella addormentata”, “Il lago dei cigni” e “Lo Schiaccianoci”. Questo periodo d’oro diede anche vita alla rinomata scuola del Teatro Bol’šoj di Mosca.
L’Avvento del Balletto Moderno
Mentre l’era di Petipa brillava, il suo stile unico iniziava a mostrare segni di stanchezza. Nel 1909, Sergej Djagilev, un produttore visionario, lanciò i Ballets Russes, con l’intenzione di fonderare arti come pittura, musica e danza in un’esperienza sinergica. La truppa, che fece scalpore in Europa, mise in luce talenti eccezionali come Anna Pavlova, Vaslav Nijinsky, Michel Fokine e George Balanchine, la cui influenza avrebbe modellato il futuro del balletto americano.
Dopo la scomparsa di Djagilev nel 1929, i Ballets Russes si dissolsero. Tuttavia, i suoi artisti si dispersero in compagnie di tutto il mondo, portando con sé un’eredità che avrebbe plasmato profondamente il paesaggio della danza internazionale.
Quali sono i balletti più famosi?
Il balletto, con la sua capacità di raccontare storie attraverso il movimento e la musica, ha affascinato il pubblico per secoli. Dalla raffinata eleganza del balletto classico alle audaci innovazioni del balletto contemporaneo, questa forma d’arte ha prodotto spettacoli indimenticabili che hanno resistito alla prova del tempo e si sono radicati nell’immaginario collettivo. Ma quali sono quelli che hanno lasciato un segno indelebile nella storia della danza, diventando veri e propri pilastri del repertorio mondiale? In questo articolo, esploreremo alcuni dei balletti più famosi e influenti, le loro origini e il motivo per cui continuano ad incantare le generazioni.
Il Lago dei Cigni
Coreografato da Marius Petipa e Lev Ivanov su musiche di Pyotr Ilyich Tchaikovsky, questo balletto racconta la storia d’amore tra il Principe Siegfried e la principessa Odette, trasformata in cigno da un incantesimo. Presentato per la prima volta nel 1877, “Il Lago dei Cigni” è sinonimo di eleganza e tecnica.
The State Ballet of Georgia – Il lago dei cigni
Lo Schiaccianoci
Ancora una volta, il duo Tchaikovsky-Petipa crea magia. Un viaggio natalizio tra realtà e sogno, dove la piccola Clara si ritrova in un mondo fatato con il suo Schiaccianoci.
Accademia Ucraina di Balletto presenta “Lo Schiaccianoci”
Giselle
Una storia d’amore tragica coreografata da Jean Coralli e Jules Perrot, su musiche di Adolphe Adam. Giselle è un’opera che tocca profondamente il cuore, affrontando temi come l’inganno e la redenzione.
Nervi Music Ballet Festival – Giselle
Don Chisciotte
Un balletto vivace e spensierato con coreografie di Marius Petipa. Qui, la tecnica e l’umorismo si combinano in un’esplosione di colori e movimenti.
Romeo e Giulietta
Basato sulla tragedia shakespeariana, questo balletto, con musiche di Sergei Prokofiev, racconta il doloroso amore di due giovani in un contesto di faide familiari.
Martin Nudo in Romeo e Giulietta
La Bella Addormentata
Compositore: Pyotr Ilyich Tchaikovsky – Coreografo: Marius Petipa
La Bella Addormentata è uno dei capolavori del repertorio classico, spesso associato alla perfezione del balletto russo. Basato sulla fiaba di Charles Perrault, il balletto segue la storia della principessa Aurora, maledetta dalla strega cattiva Carabosse a punger il dito su un fuso e a dormire per cento anni. La musica incantevole di Tchaikovsky e la coreografia originale di Petipa hanno creato momenti memorabili, come la celebre “Rosa Adagio”, in cui Aurora danza con quattro principi. Oltre alla narrazione romantica, il balletto è famoso per le sue sfide tecniche e la purezza della danza classica.
Violetta Keller e Michal Krcmar in La Bella Addormentata – Accademia Ucraina di Balletto
Coppélia
Compositore: Léo Delibes – Coreografo: Arthur Saint-Léon
Coppélia è un balletto comico ambientato in un villaggio europeo e ruota intorno a una ragazza meccanica, Coppélia, e alle peripezie di due giovani innamorati, Franz e Swanilda. La storia esplora temi di amore, gelosia e travestimento. La partitura vivace di Delibes, ricca di melodie orecchiabili e ritmi contagiosi, si sposa perfettamente con la coreografia esuberante, rendendo Coppélia una delle opere più gioiose e spesso eseguite del repertorio classico.
Anbeta Toromani e Alessandro Macario – Coppelia di Roland Petit – Teatro San Carlo di Napoli (ph. Luciano Romano)
La Sylphide
Compositore: Jean-Madeleine Schneitzhoeffer – Coreografo: Filippo Taglioni
Questo balletto romantico racconta la storia di un giovane scozzese, James, che si innamora di una fatata sylphide il giorno del suo matrimonio con Effie. La Sylphide è famosa per la sua atmosfera eterea, con ballerine in candidi tutù che rappresentano creature soprannaturali. L’opera ha rivoluzionato il balletto, spostando l’enfasi dalla tecnica esibizionistica all’espressività e al lirismo, caratteristiche chiave del movimento romantico.
La Sylphide – Teatro dell’Opera di Roma
Le Corsaire
Compositore: Adolphe Adam – Coreografo: Joseph Mazilier
Ispirato a un poema di Lord Byron, Le Corsaire è un balletto ricco di azione che racconta le avventure del pirata Conrad e il suo amore per la bella schiava Medora. Con scenari esotici, battaglie in mare aperto e danze tecnicamente esigenti, Le Corsaire è famoso per la suite “Pas de Deux”, spesso eseguita come pezzo a sé stante nei gala di balletto.
La Bayadère
Compositore: Ludwig Minkus – Coreografo: Marius Petipa
Questo esotico balletto si svolge nell’India antica e racconta una storia tragica d’amore tra il guerriero Solor e la danzatrice del tempio, Nikiya. Nota per la sua coreografia esigente e per i costumi e le scenografie lussuose, la “Scena del Regno delle Ombre” è uno dei momenti più iconici della danza classica, con una sequenza di ballerine in tutù bianco che scendono in fila lungo una rampa, danzando in perfetta unisono.
La Bayadère – Accademia Ucraina di Balletto
L’Uccello di Fuoco
Compositore: Igor Stravinsky – Coreografo: Michel Fokine
Questo balletto è basato su leggende russe e racconta la storia di un principe che libera un uccello di fuoco e riceve in cambio una piuma magica per proteggersi dal malvagio mago Kostchei. L’Uccello di Fuoco è celebrato per la sua innovativa partitura di Stravinsky e la coreografia espressiva di Fokine, che insieme hanno segnato l’inizio dell’era moderna nel balletto.
Sylvia
Compositore: Léo Delibes – Coreografo: Louis Mérante
Sylvia è un balletto mitologico che segue le vicende della ninfa cacciatrice Sylvia e del suo amore per il pastore Aminta, ostacolato dal malvagio cacciatore Orion. La partitura di Delibes è stata lodata per la sua ricchezza e l’opera è amata per il suo mix di danza classica, carattere e pantomima.
Apollo
Compositore: Igor Stravinsky – Coreografo: George Balanchine
Apollo è una delle prime opere maestose di Balanchine e rappresenta una svolta nella storia del balletto, portando sul palcoscenico un minimalismo neoclassico. Il balletto racconta la nascita e l’educazione del giovane dio Apollo e delle sue tre muse.
Manon
Compositore: Jules Massenet – Coreografo: Kenneth MacMillan
Basato sul romanzo di Abbé Prévost, Manon racconta la tragica storia d’amore tra Manon Lescaut e il Cavaliere des Grieux nella Parigi del XVIII secolo. MacMillan ha portato una profondità psicologica alla coreografia, mescolando movimenti classici con momenti di intensa drammaticità.
Spartacus
Compositore: Aram Khachaturian – Coreografo: Yuri Grigorovich
Questo balletto epico racconta la storia della rivolta di Spartacus contro l’oppressione romana. Conosciuto per la sua coreografia vigorosa e mascolina e per la partitura appassionata di Khachaturian, Spartacus rimane uno dei più potenti e tecnicamente impegnativi balletti nel repertorio moderno.
Ogni balletto ha il suo fascino e la sua importanza, e la critica della danza ha il compito di analizzare e celebrare queste magnifiche espressioni d’arte. Quando si assiste a uno di questi spettacoli, non si sta solo guardando un balletto, ma si sta facendo un viaggio attraverso la storia, la cultura e le emozioni.
